India Art Fair 2025 出展テーマ：「Maitri（マイトリ）」 ― 慈しみと友情

Galerie GEEK/ARTは、第15回India Art Fair, IAFにおいて、「Maitri（慈しみ・友情）」をテーマに出展いたします。本展は、SHUN SUDO、浅井裕介、金子富之、ヤノベケンジといった、日本を代表する現代アーティストによるキュレーション展示です。

「Maitri」は、詩人ラビンドラナート・タゴールの思想から着想を得たもので、“慈しみ”や“友情”と訳されるこのサンスクリット語の概念は、自然、精神性、そして芸術の深い結びつきを象徴しています。本展では、その「Maitri」を軸に、日本の伝統と現代を往還する多様な美術表現を通じて、文化を超えた対話の場を紡ぎ出します。

各作品は、遺産と革新の交錯する地点において、個と社会、過去と未来、あるいは東洋と西洋の価値観が交わる瞬間を映し出します。芸術を通して文化を架橋し、普遍的な問いを立ち上げる本展は、今という時代において、共感と共生の可能性を見つめ直す機会となるでしょう。

ヤノベケンジ

B. 1965 in Osaka, and currently based in Kyoto, Japan

ヤノベケンジは、テクノロジー、社会、人間の存在をテーマに探求する現代美術家である。核エネルギーや戦争の影響といったシリアスなテーマを扱いながらも、サイエンスフィクションやマンガ、ポップカルチャーの要素を取り入れ、遊び心と批評性を併せ持つ作品を制作している。彼の作品には、しばしばロボットやメカニカルな要素が登場し、テクノロジーがもたらす未来への不安を可視化している。

代表作《サン・チャイルド》は、放射線防護服を着た子どもが輝く太陽を掲げる姿を描いた彫刻で、核エネルギーの遺産を象徴している。近年では、《シップスキャット》というテーマも注目を集めている。

これは、大航海時代の船乗りたちと共に旅をした猫に着想を得た、未来の宇宙探検者に希望をもたらす存在として表現されたキャラクターであり、さまざまな彫刻作品として国内外で展示されている。ヤノベは、アートを通じて社会の変革を促し、人類が直面する課題への洞察を提示し続けている。

金子 富之

B. 1978 in Saitama, Japan

⾦⼦富之は、現代⽇本画において⽴ち位置の異なる独⾃の声を持つ画家である。幼少期から、⼟地の神々や妖怪、⾃然に潜む⽬に⾒えない存在に強く惹かれ、それら霊的な世界を⽇本画で表現したいという想いを抱いてきた。彼の作品は、⽇本の⺠間伝承や仏教、ヒンドゥー教の神話体系の影響を受けながら、妖怪、霊、鬼、神々といった題材を積極的に取り上げており、⽇本画の枠組みの中でも稀有な世界観を描いている。

現在は⼭形を拠点に制作を続けており、⽬に⾒えない存在との対話を試みるような⼤胆な構図で、精神世界への探求を反映している。主な展覧会に、ミヅマアートギャラリー（東京）での《うんざりした⻁》（2021 ）、《怒れる神々》（2017 ）、またKAAT神奈川芸術劇場での《詩情の森－語られる空間》（2017 ）などがある。

SHUN SUDO

B. 1977 in Tokyo, Japan, and currently based in Tokyo and New York

SHUN SUDOは、東京を拠点に活動する現代アーティストであり、絵画、彫刻、ドローイングなど多岐にわたる表現を展開している。東京で育ち、伝統的な日本文化と進化するストリートカルチャーの両方から影響を受けた。彼の作品は「つながり」「平和」「愛」などの普遍的なテーマと、アートと動きの関係性を探求している。20代で渡米後は世界各地を旅しながら独学でアート技法を習得した。

SUDOの作品は、スケートボード、グラフィティ、マンガ、アニメなど、日本とアメリカのポップおよびストリートカルチャーの要素を、日本画や墨絵の伝統技法と融合させている。この融合により、「高尚な芸術」と「大衆文化」の境界を超えた、異質性と調和が共存する美学を創出している。ポップアート的な要素を持ちながらも、現代社会や政治的課題に対する批評的な視点を内包しており、SHUN SUDOならではの現代生活への眼差しが表現されている。

淺井裕介

B. 1989 in Tokyo, Japan

淺井裕介（あさい・ゆうすけ）は、日本の現代美術家。伝統的な日本画、ストリートアート、そして環境意識を融合させた、自然主導のサイトスペシフィックなインスタレーションで知られる。自然のリズム、神道的精神性、そしてエコロジーへの感受性から大きな影響を受け、日常の空間を没入的で有機的な風景へと変容させる。彼の作品は、現地で採取した泥、土、植物顔料、有機染料などの自然素材を用い、壁や床、天井に直接描くことで知られている。これらの作品は時間とともに消えていく運命にあるが、まさにその儚さこそが「無常」「持続可能性」「生命のつながり」といったテーマを象徴している。

素材をその土地から調達することで、作品は場所と深く結びつき、周囲の環境とともに変化し続ける。これまでに、ヴェネツィア・ビエンナーレ日本館、ヒューストンのライス・ギャラリー、東京の森美術館など、国内外で多数の展示を行ってきた。彼の作品は文化の枠を越えて共鳴を呼び起こし、人間と自然の調和的共生を問いかける。その儚くも力強いインスタレーションを通じて、淺井は鑑賞者に地球の美しさと脆さを受け入れること、そしてアートを環境への気づきとつながりを促す手段として再考することを促している。